Floating Points, Pharoah Sanders & The London Symphony Orchestra - Promises (2021)

Este es el encuentro de las viejas y gloriosas generaciones con los vanguardismos contemporáneos, uno es un mítico saxofonista norteamericano como lo es Pharoah Sanders, otro es un vanguardista de electrónica futurista moderna como lo es Samuel Shepherd, mejor conocido como Floating Points, y en medio de esto también aparece toda una orquesta, más específicamente The London Symphony Orchestra, todos los cuales, en conjunto, grabarían de este disco vanguardista reciente y fresco, compuesto por Floating Points.

Se dice que Sanders escucho en 2015 a Floating Points, especialmente su primer trabajo, ‘’Elaenia’’, de ese mismo año, sonido con lo que Sanders quedaría fascinado, hecho que lo haría acercarse a Shepherd, de quien se haría amigo, siendo Shepherd 40 años menor que Sanders, pero las barreras de edad no limitaron el encuentro creativo de esos artistas que pronto congeniaron y programaron un lanzamiento juntos. 

Shepherd compuso la música y tocó numerosos instrumentos electrónicos y no electrónicos. Además, reclutó a la Orquesta Sinfónica de Londres para realizar los arreglos que había escrito. El álbum se grabó principalmente en Sargent Recorders en Los Ángeles, California en el verano de 2019. Las cuerdas fueron grabadas por la Orquesta Sinfónica de Londres, en AIR Studios en Londres en el verano de 2020. La orquesta incluía violines, violas, violonchelos y contrabajos. El trabajo fue publicado bajo el nombre de ‘’Promises’’, en el 2021.

El estilo del trabajo se encuentra a la altura de los participantes del mismo pero no refleja fielmente los estilos puros de cada artista, estando lejos del jazz espiritual clásico de Sanders como en su mitico ‘’The Creator Has A Master Plan‘’, o estando lejos de los sonidos estridentes eletronicos del ‘’Elaenia’’ de Floating Points. Sin dudas sí cada uno de ellos aporta su talento especial, Sanders sus icónicas líneas de saxo y Floating Points sus innovaciones en electrónica, pero de alguna manera logran crear algo nuevo con esto y no ser simplemente un refrito cómodo de estilos anteriores. ‘’Promises’’ es un disco que enaltece al vanguardismo contemporáneo y da esperanzas a los que hayan perdido la fe en la producciones modernas en comparación con antiguas épocas de la música.

Este es un ensueño donde circula la vena jazz más sutil, aplicaciones electrónicas ambientales y agregados, muy sutil, orquestales. Esos son los elementos que componen la ejecución del sonido, por lo que de antemano tenemos ingredientes atípicos que terminan conformando un sonido también atípico, único en su clase y época. Sander hace lo que bien sabe hacer, magia con su saxo, siguiendo las sutiles líneas melódicas compuestas por Floating Points que se desparraman desde una visión particular, una trama casi única, que no se modifica y que se repite en todo el disco pero que de todas formas logra tender un puente hacia visiones que plasman texturas cambiantes, es el gran misterio de este sonido, como con la repetición se logra alcanzar la gloria y el espasmo del espíritu.

Todas las ejecuciones del disco son presentadas con una minusiona sutileza, desde las aplicaciones electrónicas ambientales que suenan de fondo y plasman visiones de una ensoñación delicada, hasta las aplicaciones muy cuidadosas de Sanders en saxo, la aparición estrictamente medida y ejecutada de la orquesta que se ajusta a la idea sutil con la que todos están alineados, y por supuesto la trama principal, esa corta línea melódica que es prácticamente un fugaz suspiro que desde el minimalismo logra fijar a fuego una idea que se acrecienta en la mente y se hace carne en sensaciones indescriptibles.

Todo el sonido es un viaje por tierras de un vanguardismo nuevo, una creación de un estilo autóctono de estas épocas, que no copia nada del pasado, hace honor a la creatividad, al vanguardismo, a la fusión, la experimentación compositiva, dejando en el aire sensaciones que se inmiscuyen con el aire, no solo recorriéndolo sino que vinculándose con el mismo, un misterio que no se puede describir pero que está ahí, en las sutiles melodías.

El trabajo comienza desde la sutileza, con momentos de mínimas ejecuciones y aplicaciones pequeñas, pero sabe alcanzar momentos de mucha emotividad, especialmente cuando la orquesta realza la instrumentación, surgiendo por entre el fondo para erigirse en el protagonismo del sonido, pero no lo hace burdamente, todo está fríamente planeado para funcionar bajo una idea central, y hasta incluso la orquesta parece ‘’domada’’, por lo que también su papel en el sonido es de una sutileza total.

Cod: #1025

The End - Svårmod Och Vemod Är Värdesinnen (2018)

Este es un trabajo experimental que toma un poco de aquí y de allá: jazz de vanguardia, rock alternativo, ruido, sumado a los excelentes ejecutantes y cantante que componen la agrupación, para dar vida a un sonido que no es algo nuevo a esta altura pero que sí es una experiencia asombrosa para sumergirse y explorar el ingenioso mundo sonoro propuesto, con varios momentos afortunadamente desconcertantes, sonidos y ruidos combinados entre algunas texturas y estructuras por momentos complejas, y como ingrediente especial la tan particular voz de la cantante experimental etíope Sofia Jernberg, quien demuestra todo su repertorio entre voces habladas, cantos de diferentes intensidades, y algunos momentos de técnicas vocales irreconocibles que se cohesionan muy bien con el resto de la banda y enriquecen la experiencia sonora del álbum. Ella se encuentra a la altura de la ocasión y haciendo uso de sus repertorios técnicos, por momentos desconcertantes, puede aplicar su voz como un instrumento más a la altura de la extravagancia general de la instrumentación.

No hay realmente una etiqueta que pueda signar esta experiencia, hay riffs que provienen del rock, aplicaciones y líneas que recuerdan al jazz, hay un aire progresivo en muchos momentos, hay ruido, y también hay mucha experimentación volcada en piezas de desconcierto general pero aunadas de manera formidable y no caótica. Toda la experiencia musical del disco representa una búsqueda alternativa por tierras algo oscuras que se extienden en piezas de gran participación instrumental en las diferentes fusiones que proponen.

Hay un par de piezas aquí que son realmente extensas, de alrededor de catorce minutos cada una, por lo que la relación con lo ‘’progresivo’’ se tiende de inmediato, no siendo seguro que lo sea pero de todas formas son momentos en los que la banda se aboca a exploraciones sonoras en extensas sesiones donde ocurre realmente de todo y exploran un sinfín de intensidades entre ruidos, líneas de saxo, cantos dulces y diversas estructuras, emprendiendo un viaje de transito por tierras oscuras y perversas. 

El cariz de esta propuesta roza lo gótico y oscuro pero este carácter es solventado por instrumentaciones rápidas y frescas, con ruidos no difíciles de escuchar y vanguardismos que enaltecen la propuesta y la sacan de lo rotundamente sombrío, volviéndose un trabajo con su propia luz y su propio misterio. Hay un exotismo que se puede apreciar especialmente en las piezas más extensas donde se sumergen en ambientes creados de pequeños vanguardismos y grandes experimentos y en los que alcanzan momentos inesperados pero entendibles teniendo en cuenta el calibre creativo que surge ya desde el primer momento. 

El trabajo comienza con una pared de ruido, puro y duro, al que se le agregan algunos instrumentos para comenzar una estructura, pero ese comienzo en una declaración de intenciones, utilizando el ruido como un elemento más en la fusión de ideas y en la puesta sonora general, no llegando nunca a desbordarse, sonido al que manejan de buena manera para que funcione como conector y como aglutinante de las estructuras.  La perpetua oscilación entre instrumentos obsecuentes a su propia propuesta da vida a un aura sonora tanto vanguardista como rockera y jazzera, pero quedando estos elementos ahogados en un todo que nos anuncia que habrá muchos momentos para explorar y experimentar.

Ellos parecen sonar como un avezado colectivo vanguardista y en parte lo son ya que dos de sus miembros (Mats Gustafsson y  Sofia Jernberg) son parte a la vez de otra banda como la flamante Fire! Orchestra, por lo que tenemos espiritus inquietos interesando en la fusión y la experimentación. The End es un supergrupo construido alrededor de los saxofonistas Mats Gustafsson (The Thing, Fire! Orchestra) y Kjetil Møster (The Core, Møster!), con la guitarra de Anders Hana (Moha !, Ultralyd), la fuerza implacable del baterista Greg Saunier (Deerhoof) y superpuesta con la pura emoción vocal de Sofia Jernberg (Fire! Orchestra). Su inquebrantable debut fue lanzado en 2018 por el sello RareNoise, ‘’Svårmod Och Vemod Är Värdesinnen’’ (un título cuya traducción aproximada del sueco podría decirse como ‘’La melancolía oscura y la tristeza son sentidos para ser valorados’’).

Cod: #1020

Abraxasaxophonic - Smooth Jazz Vagina (2001)

Arrington de Dionyso (4 de enero de 1975) es un particular personaje (saxofonista, cantante) del under norteamericano con una interesante carrera. Arrington estableció la banda Old Time Relijun en Olympia, Washington, Estados Unidos en 1995, grupo que lanzó ocho discos en el reconocido sello independiente ‘’K Records’’ de Calvin Johnson y realizó una extensa gira por América y Europa durante los siguientes quince años.

‘’Smooth Jazz Vagina’’ es el primer y único álbum de Abraxasaxophonic, un pseudónimo no tan secreto con el que se presentó eventualmente Arrington de Dionyso para este proyecto donde experimenta con sonidos alterados y presenta un ingenioso invento consistente en él mismo tocando el saxo, con el sonido distorsionado, sobre un audio de radio en vivo en la que el locutor presenta al ‘’smooth jazz’’, presentación con la que van apareciendo algunas canciones irreconocibles ya que ese audio de radio también está alterado y distorsionado, por lo que nada se logra comprender realmente.

Este es un invento extraño, desconcertante y atípico, donde el saxofonista deja sus eclécticas líneas improvisadas en un estilo de libre ejecución, similar al free jazz salvo por el hecho de que en esta oportunidad no se trata de una banda la que acompaña al músico sino, como se dijo antes, sonidos distorsionados de radio; al combinación entre estos dos elementos, en estados alterados, crea una sensación de incertidumbre, incongruencia, en la que nada tiene sentido salvo por que el smooth jazz suena de fondo 

Solo los tracks 1 y 2 son parte del lanzamiento original, los tracks de 3 al 7 son bonus tracks. Por lo que tenemos un trabajo originalmente de corta duración, aunque el sonido no necesita de más tiempo para demostrar que se trata de algo totalmente fuera de lo común, incluso puede sonar difícil de escuchar dentro del ámbito mismo del free jazz que, dentro de espectro, con instrumentaciones convencionales suena más coherente, pero Smooth Jazz Vagina no espera nada de nadie. Este extraño artefacto fue lanzado por el sello discografico N.G.W.T.T. (siglas que en inglés significan "Nada se pone peor que esto"), eso lo dice todo; lanzado en el año 2001.

Otra particularidad de este delirio sonoro es que, en medio de este ambiente descocido, aparece la voz de Arrington de Dionyso pero de forma también atípica. Sobre el final de la segunda pieza que componía el lanzamiento original aparecen algunos cantos guturales que recuerdan a los cantos de monjes en culturas originarias asiaticas, reflejando que el artista maneja una técnica de canto particular, un particular detalle que dura realmente poco pero que no sorprende dentro de tanta extravagancia.

La primera mitad de los temas bonus presenta varias piezas cortas grabadas en la misma época (algunas que suenan como fragmentos de piezas de Old Time Relijun, otras más en línea con el trabajo en solitario de Arrington), con la segunda mitad extraída de su obra maestra, "Slow Dancin 'Under the Moon Tonight ", sobre lo que el autor dijo: "... se grabó en algún momento de 2010 utilizando el software Songsmith". Es uno de los álbumes más insoportables y abrasivos jamás hechos por Arrington de Dionyso.

Cod: #1019

Neptunian Maximalism - Éons (2020)

Trazas de metal y trazas de un rupturismo vanguardista oscuro se cuecen en la caldera viva que desangra su estigma como la dejadez de una expresión máxima y elocuente que funciona dentro de su mismo espectro que a su vez, planteado en un sentido de desoladora sinfonía, arrasa con fuerza todo espectro aural sondeando un enorme campo con sus redes de ultrasonido y ultraplasmacion para volver a la esencia viva con una expresión de conceptos propios, propias visiones, propios experimentos y propias concesiones que se pergeñan en un quehacer unificado en la plasmación de diferentes concepciones de una sofisticación progresiva sin nombre. Nada queda claro salvo que el banda se propicia a sí misma en un experimento de grandes implicancias y concernencias volcadas al servicio de una visión por demás oscura e insondable.

Es difícil de precisar o determinar el origen o trama de esta propuesta, sus implicancias son enormes y consisten en la unión de un sinfín de elementos que se funden en una sola expresión experimental, funcionando  en una danza perversa repleta de sonoridades de origen desconocido. Hay modernismo, progresividad, espacialidad, orquestación, líneas de viento provenientes de lo que parecería un jazz vanguardista, ritmos tribales, arremetidas de metal, aplicaciones de distorsiones y cantos corales, todo esto y más unido bajo una concepción atípica de construcción sonora por lo que el resultado es algo nunca antes visto ni escuchado, una propuesta perversa.

Es como si muchas casualidades se hubieran desatado en un solo proyecto, muchos estilos fueron a dar origen a uno nuevo, uno indeterminado, indefinible, misceláneo en su propio caldo de cultivo creacionista e indeterminado que logra el caos en las definiciones que están dando vuelta sobre el estilo de la banda, a la cual se le atribuye un sinfín de géneros ante la imposibilidad de nombrar bajo un solo nombre lo gigante de su propuesta, un atrevimiento que rompe con las tradiciones intelectuales, rompe con el conformismo del mundo del rock progresivo, rompe con el jazz vanguardista y se plasma, sentando sus propias bases, en auras sonoras indefinidas de un calibre que se desenvuelve y se extiende hacia terrenos no explorados anteriormente.

Viejas tradiciones del vanguardismo se unen con nuevas concepciones futuristas de un pasado remoto y un futuro antiguo que se extiende desde los orígenes de la humanidad, pasando por las diversas eras que conducen hacia las formas culturales y geológicas actuares. Es una plasmación que se funde en la visión misma de una tierra que está por concluir y que en su danzan cósmica sincronizada con los espectros solares alcanza el encuentro con esferas etéreas de donde provienen las trazas de una nueva etapa celeste que proveerá a todo ser vivo de una reverberación áurica que soslaye lo material del espectro humano  y se presenten en el devenir de la humanidad.

Hay un misterio aquí, quizás oscuro, quizás perverso, de notable fuente espiritual y gran plasmación etérea que da como resultado a esa masa sonora innombrable que ha confundido a los oyentes y hasta a los más avezados oyentes y reseñadores. Guillaume Cazalet, "para ciertos científicos, si no hubiéramos gobernado la Tierra, se suponía que los elefantes estaban en la cima de la pirámide de la vida terrestre". La ambiciosa trilogía de álbumes de “Éons” es una experiencia musical de proporciones gigantescas donde cada capítulo es parte de un ritual fascinante, una masa cósmica de luz y oscuridad.

Nada queda claro salvo que esto puede ser pergeñado solo por un gran número de participantes, y eso ocurre de hecho, siendo este el producto de un colectivo de artistas, una comunidad de “ingenieros culturales” que utilizan sonidos con una formación variable. El proyecto fue iniciado en 2018 por el multiinstrumentista Guillaume Cazalet (Czlt, Jenny Torse, Aksu), quien reunió al veterano saxofonista Jean Jacques Duerinckx (Ze Zorgs) y dos bateristas, Sebastien Schmit (K-Branding) y Pierre Arese (Aksu). . En 2020, Stephane FDL y Lukas Bouchenot tomaron la batería. Reshma Goolamy (bajo), Romain Martini (guitarra), Alice Thiel (sintetizadores, guitarra), Joaquin Bermudez (saz, setar), Didié Nietzche (paisajes sonoros) y Leslie V. (escenografía de magia negra) se unieron en 2019, cambiando así la banda hacia una verdadera orquesta infernal.

Cod: #1017

Heroin In Tahiti - Death Surf (2012)

El eco de una decadencia de drogas y cocteles veraniegos se plasma en una nueva temporada en las playas de Heroin In Tahiti, un reverdecer sutil y casi inútil donde el pálido decaimiento de las funciones elementales del cuerpo sigue álgido y demanda una temporada de resguardo que parece no aparecer en un corto plazo, estas pistas atmosféricas demuestran lo más oscuro del post-surf romano, reflejando una música pictográfica que simboliza el lado coherentemente creativo y sin sentido de la escena indie del este de Roma.

Irónicamente esta música que parece inspirada de una cultura veraniega y paradisiaca en realidad fue concebida por unos jóvenes hipsters provenientes de la escena “Borgata Boredom” del este de Roma (sin salida al mar). Heroin In Tahiti es un dúo de Roma, Italia, y está compuesto por Valerio Mattioli (AAVV Videos, Thetlvmth) y Francesco De Figueiredo (Opium Child), ambos provenientes de la llamada escena “Borgata Boredom”, una especie de comunidad local con sede en “Roma Est” (Roma del Este) compuesta por inmigrantes, artistas bohemios y freaks locales que comenzaron una movida local en el este de la ciudad de Roma, la parte abandonada y sucia de la ciudad, involucrándose en producciones artísticas de variada índole (musical, audiovisual, etc.) y tal fue el punto de ebullición del fenómeno que hasta algunos grandes periódicos se hicieron eco del suceso, volviéndose esta escena under en un punto de referencia para la movida indie Italiana. 

La prensa italiana se ha involucrado en este fenómeno en muchas ocasiones, y solo en los últimos meses incluso los principales periódicos han enviado a sus propios reporteros sospechosos a esta especie de tierra de nadie a medio camino entre Berlín y Nueva Delhi, que es “Roma Est ”. La revista musical mensual Blow Up dedicó un artículo especial de 8 páginas a la escena Roma Est y la meca de la música indie italiana, el infame Circolo degli Artisti, incluso dedicó un festival completo.

En 2012 lanzaron bajo el sello discografico Boring Machines su álbum debut ‘’Death Surf’’, un título que habla de la música que se reproduce en el disco. Una inscripción en el álbum decía lo siguiente: "Piense en beber un daiquiri helado en una playa solitaria mientras ve una televisión mal sintonizada que transmite loops de If You Meet Sartana Pray for Your Death (1968), mientras las pruebas de Mururoa están sucediendo en el horizonte". 

El dúo de Heroin In Tahiti toca una variedad de guitarras baratas, sintetizadores analógicos, cajas de ritmos y pedales, creando una música especializada en ambientes oscuros, decadentes, atmosferas de efectos y arremetidas eléctricas que reflejan una imaginería volcada a la búsqueda sonora atmosférica que no es necesariamente vanguardista pero que nace de un under que se propuso expandirse a través de creaciones atípicas y convulsas. 

Las aplicaciones sonoras por parte de la guitarra eléctrica son vitales para la construcción del sonido, armados con un sinfín de pedales de efectos diversos para crear capas armónicas y melódicas que son el elixir de este viaje eléctrico de ensueño, logrando una suciedad decadentemente lo-fi y permanentemente oscura dentro de un tránsito sonoro que avanzan en un surf perverso. A esto sumarle las aplicaciones atmosféricas logradas tal vez con teclados u otros implementos electrónicos, más los ritmos con cajas de percusión que brotan como rituales que en forma se diversifican y masifican a lo largo de todas las piezas como hipnotizando al oyente y convenciéndolo de que baje a la superficie topográfica de las capas subterráneas de la escena under en un viaje de ensueño moribundo y decadente.

Todo el disco está adornado con grabaciones de campo sobre elementos de la naturaleza especializados en la playa: como el mar, las olas rompiendo o grillos cantando de fondo, etc., es la heroina en su efecto máximo haciéndose eco en un ‘’Spaghetti Wasteland’’ con toneladas de una ráfaga indie indeterminada en su propio caldo perverso.

Las pistas y el álbum entero son un simbolismo vivo de la idiosincrasia de la escena de donde provienen, son un yeite viviente con trazas de un vanguardismo lejano y elementos psicodélicos sobre una plataforma surf donde coexisten la electrónica y el carisma de un indie ramificado en subcapas de hedonismo idiosincrásico pero que en realidad convergen desde una pletórica divergente. Heroin In Tahiti parece la mejor opción para resumir el sonido y las referencias que permanecen en el núcleo de esta escena totalmente italiana.

Cod: #1010

Fire! Orchestra - Exit! (2013)

Fire! es el trío central que constituye este enorme proyecto, compuesto por el saxofonista y lider Mats Gustafsson, Johan Berthling en bajo y Andreas Werlin en batería. La banda se formó en 2009 para desarrollar un nuevo enfoque músical, improvisando y componiendo basándose en influencias del free jazz, el rock vanguardista, el rock psicodélico y el noise.

El grupo publicó varios álbumes bajo el nombre de Fire!, pero también extendieron su propuesta, transformándose eventualmente hacia el nombre de Fire! Orquestra, una mutación de la banda en la que tocarían el trio de músicos sumados a una gran cantidad de músicos proveniente de la escena escandinava del free jazz y el rock experimental. Este último proyecto se constituyó a fines de 2012 con la idea de dirigir las características esenciales del trío Fire! hacia un formato de proporciones orquestales que pudiera dar cabida a las exuberantes ideas musicales pergeñadas por Gustafsson.

La sobresaliente discografía de Fire! Orchestra incluye a su álbum debut Exit! de 2013, una obra ambiciosa y de proposiciones enormes que comprende una autentica orquesta de músico con orientación vanguardista, todos funcionando bajo un sonido de una especie de rock pesado fusionado al free jazz, con muy buenas bases sobre la que desfilan gran cantidad de instrumentos de viento, una autentica orquesta de jazz rock.

El álbum solo está compuesto por dos temas, dos enormes piezas de entre veinte y veinticinco minutos cada una, en las que hacen uso de la extensión para recrear un sonido que utiliza la amplitud y la espacialidad como bases desde donde explorar los ambientes que tienen en mente. Un sonido innovador, de vanguardia, con un aire de frescura, y mucho estilo, con bases pegadizas y exploraciones sonoras experimentales que van mutando segundo el ánimo y la espontaneidad de la orquesta. Utilizan el lenguaje del free jazz para moverse por el espacio, cuando no hay una base concreta sobre la que moverse.

La inclasificable convergencia de música libremente improvisada queda plasmada rápidamente cuando voces, saxos de free jazz y bases pegadizas comienzan a funcionar al unísono, ahí es cuando la maquinaria cobra vida y no sabe hacia dónde se dirigen, con un carácter de ritual, psicodélico y hasta convergencias con el noise. Muchos remembranzas vienen a la mente con estos sonidos, se asemeja al Escalator Over the Hill de 1971, por Carla Bley &The Jazz Composers’ Orchestra, o también recuerdan bastante a la orquesta de jazz rock Centipede creada y liderada por Keith Tippet.

La orquesta completa está integrada por Mariam Wallentin en voz, Sofia Jernberg en voz, Anna Lindal en violin, Leo Svensson en chello, Josefin Runsteen en violin, Katt Hernandez en violin, Per Texas Johansson en contrabajo y clarinete, Christer Bothén en contrabajo y clarinete, Isak Hedtjärn en clarinete, Alexander Zethson en piano, Susana Santos Silva en trompeta, Mats Gustafsson en saxo barítono, Johan Berthling en bajo, y Andreas Werliin en batería.

Cod: #1005

Godspeed You! Black Emperor - F♯ A♯ ∞ (1997)

‘’Godspeed You! Black Emperor’’ es una banda canadiense de post-rock, originaria de Montreal. Toma su nombre de ‘’God Speed You! Black Emperor’’ (Goddo supiido yuu! Burakku emparaa), un documental japonés en blanco y negro de 1976, dirigido por Mitsuo Yanamigachi, que trata de las fechorías de una banda de moteros japoneses, los Emperadores Negros.

El grupo suele ser clasificado dentro de la corriente del post-rock, aunque posee influencias que van desde el rock progresivo al punk, pasando por la música clásica, krautrock y el avant-garde. Ellos pintan texturas sónicas similares a lo que hace Tangerine Dream, aunque se diferencian porque aplican en su sonido violonchelos, violines y algún otro instrumento, que los vuelve mas orgánicos.

En diciembre de 1994 lanzan su primer trabajo, no oficialmente, sino que se trata de un casette elaborado por ellos mismo, del cual solo lanzaron 33 copias, el cual contiene los orígenes mismos del grupo, allá cuando la banda estaba integrada solo por tres miembros.

La formación ha sufrido de constantes cambios y alteraciones, a medidas de los 90s la banda alcanzo un máximo de 14 integrantes, y no fue hasta 1998 cuando el grupo se instaló en una formación permanente de nueve miembros, con Aidan Girt y Bruce Cawdron en la batería, Thierry Amar y Mauro Pezzente en bajos, Efrim Menuck, David Bryant y Roger-Tellier Craig en las guitarras, y Norsola Johnson y Sophie Trudeau en cello y violín respectivamente.

En 1997 lanzan su primer álbum oficial, llamado ‘’F♯ A♯ ∞’’, un trabajo tan sombrío y fantasmal, como complejo y particular, reflejan varias influencias orquestales, en los instrumentos que utilizan y las estructuras de los temas que componen, los cuales generalmente suelen consistir en canciones de larga duración, bastante complejas y separadas por ‘movimientos’, a menudo especificados en la cubierta de cada disco.

Construyen un post rock oscuro, con melodías épicas, que combina un sentido de minimalismo o repetitividad, talvez heredado del krautrock, con un sentido muy interesante de la complejidad y el desarrollo delas estructuras e intensidades, ya que van sobreponiendo los pasajes, desplegando auténticas sesiones sinfónicas, sutilmente progresivas, muy extensas y complejas.

En las sesiones manejan la intensidad de una manera formidable, pasando por lugares mas calmos, otros mas intensos y fuertes, otros mas experimentales y duros, y también dan lugar a la aparición de grabaciones de voces, experimentación sonora, ambientes oscuros y electrónicos, etc., es ahí cuando se vuelven experimentales por excelencia, alcanzando costados avant garde muy interesantes.

La banda estuvo de gira y grabó incesantemente desde 1998 hasta 2002, y ganó una reputación por sus alucinantes shows en vivo. Después de lanzar 4 discos, anunciaron una pausa ya que lo miembros del grupo se encontraban ocupados en diferentes proyectos respectivamente. El parate se prolongó hasta 2010, año en que la banda se volvió a armar, periodo en el que hicieron nuevas giras y lanzaron dos álbumes mas.

Cod: #1004