Scorch Trio - Luggumt (2004)

Scorch Trio está formado por el guitarrista finlandés Raoul Björkenheim, la sección rítmica noruega de Ingebrigt Håker Flaten en bajo y Paal Nilssen-Love en batería.  Esta formación funcionó hasta el 2008, alcanzando a grabar juntos dos álbumes entre los que se encuentra ‘’Luggumt’’ de 2004, su segunda publicacion. En 2008 Paal dejó el trío para centrarse en otros proyectos musicales, y en 2009 Ingebrigt reclutó al baterista de su propio quinteto, Frank Rosaly, para grabar su nuevo álbum.

Publicado en 2004 ‘’Luggumt’’  es un trabajo de free jazz totalmente modernizado, un ‘’power jazz-trio’’ con una producción sonora rabiosa y una guitarra eléctrica como productora principal del sonido, con efectos varios y una ejecución delirantemente libre y cuasi virtuosa, aunque también la batería juega un rol fundamental completando todos los huecos con que puedan surgir, y el bajo hace de las suyas en una ejecución firme y tirando eventualmente algún que otro efecto o saturación; en total, el trio se encuentra en un estado álgido y en conjunto funcionan en una amalgama jazzera de libre ejecución. 

Desde el primer momento se puede percibir que el álbum ofrece una experiencia poderosa, porque es que el mismo que comienza con una sección dura y álgida, con la guitarra eléctrica como principal interlocutora entre el caos y el oyente, mientras la apertura "Kjøle Høle" comienza rugiendo, no hay duda de que serán cuarenta y siete minutos intensos de puras explosiones improvisadas y música de corte free jazz vanguardista.

A este poder músical que poseen lo utilizan para pintar una serie de piezas, todas ellas totalmente instrumentales, de variada índole en cuanto a la textura y la intensidad; hay algunas piezas de estilo rabioso, con improvisaciones furibundas, rápidas, en las que el trio se funde en una sola maquinaria jazzera; pero también hay otras piezas más sutiles y tranquilas donde la banda baja su poderío y se vuelcan a aplicaciones más ambientales, efectos de sonidos, acoples y otros ruidos. Todo el repertorio del disco es variado y se pueden encontrar varias tramas que enriquecen la diversidad de la producción de la banda.

La guitarra, al ser el instrumento de preponderancia melódica y solista, se vuelve hacia un papel de protagonismo y se realza hacia un lugar de líder, con toda la responsabilidad que ello implica, reto frente al que el guitarrista se encuentra en gran forma ya que su producción técnica es formidable, tanto para parafrasear líneas libres, como para dibujar arreglos o ligados que demuestran una buena técnica; en general la producción del guitarrista es sobresaliente y enriquece el sonido con su versatilidad y ágil forma de ejecutar las seis cuerdas.

Se trata de un estilo libre, que toma evidentemente mucho del free jazz, pero también toma mucho del vanguardismo europeo y de la libre ejecución, sumado a las diversas aplicaciones que la tecnología de la época le brindan, por lo que también hay mucho de experimentación con sonidos, acoples, ambientes, ruidos, etc.; de todo esto surge una música atípica de libre ejecución, un estilo experimental moderno de corte jazzero pero con miras hacia una ejecución muy amplia y variada.

Cod: #1011

Heroin In Tahiti - Death Surf (2012)

El eco de una decadencia de drogas y cocteles veraniegos se plasma en una nueva temporada en las playas de Heroin In Tahiti, un reverdecer sutil y casi inútil donde el pálido decaimiento de las funciones elementales del cuerpo sigue álgido y demanda una temporada de resguardo que parece no aparecer en un corto plazo, estas pistas atmosféricas demuestran lo más oscuro del post-surf romano, reflejando una música pictográfica que simboliza el lado coherentemente creativo y sin sentido de la escena indie del este de Roma.

Irónicamente esta música que parece inspirada de una cultura veraniega y paradisiaca en realidad fue concebida por unos jóvenes hipsters provenientes de la escena “Borgata Boredom” del este de Roma (sin salida al mar). Heroin In Tahiti es un dúo de Roma, Italia, y está compuesto por Valerio Mattioli (AAVV Videos, Thetlvmth) y Francesco De Figueiredo (Opium Child), ambos provenientes de la llamada escena “Borgata Boredom”, una especie de comunidad local con sede en “Roma Est” (Roma del Este) compuesta por inmigrantes, artistas bohemios y freaks locales que comenzaron una movida local en el este de la ciudad de Roma, la parte abandonada y sucia de la ciudad, involucrándose en producciones artísticas de variada índole (musical, audiovisual, etc.) y tal fue el punto de ebullición del fenómeno que hasta algunos grandes periódicos se hicieron eco del suceso, volviéndose esta escena under en un punto de referencia para la movida indie Italiana. 

La prensa italiana se ha involucrado en este fenómeno en muchas ocasiones, y solo en los últimos meses incluso los principales periódicos han enviado a sus propios reporteros sospechosos a esta especie de tierra de nadie a medio camino entre Berlín y Nueva Delhi, que es “Roma Est ”. La revista musical mensual Blow Up dedicó un artículo especial de 8 páginas a la escena Roma Est y la meca de la música indie italiana, el infame Circolo degli Artisti, incluso dedicó un festival completo.

En 2012 lanzaron bajo el sello discografico Boring Machines su álbum debut ‘’Death Surf’’, un título que habla de la música que se reproduce en el disco. Una inscripción en el álbum decía lo siguiente: "Piense en beber un daiquiri helado en una playa solitaria mientras ve una televisión mal sintonizada que transmite loops de If You Meet Sartana Pray for Your Death (1968), mientras las pruebas de Mururoa están sucediendo en el horizonte". 

El dúo de Heroin In Tahiti toca una variedad de guitarras baratas, sintetizadores analógicos, cajas de ritmos y pedales, creando una música especializada en ambientes oscuros, decadentes, atmosferas de efectos y arremetidas eléctricas que reflejan una imaginería volcada a la búsqueda sonora atmosférica que no es necesariamente vanguardista pero que nace de un under que se propuso expandirse a través de creaciones atípicas y convulsas. 

Las aplicaciones sonoras por parte de la guitarra eléctrica son vitales para la construcción del sonido, armados con un sinfín de pedales de efectos diversos para crear capas armónicas y melódicas que son el elixir de este viaje eléctrico de ensueño, logrando una suciedad decadentemente lo-fi y permanentemente oscura dentro de un tránsito sonoro que avanzan en un surf perverso. A esto sumarle las aplicaciones atmosféricas logradas tal vez con teclados u otros implementos electrónicos, más los ritmos con cajas de percusión que brotan como rituales que en forma se diversifican y masifican a lo largo de todas las piezas como hipnotizando al oyente y convenciéndolo de que baje a la superficie topográfica de las capas subterráneas de la escena under en un viaje de ensueño moribundo y decadente.

Todo el disco está adornado con grabaciones de campo sobre elementos de la naturaleza especializados en la playa: como el mar, las olas rompiendo o grillos cantando de fondo, etc., es la heroina en su efecto máximo haciéndose eco en un ‘’Spaghetti Wasteland’’ con toneladas de una ráfaga indie indeterminada en su propio caldo perverso.

Las pistas y el álbum entero son un simbolismo vivo de la idiosincrasia de la escena de donde provienen, son un yeite viviente con trazas de un vanguardismo lejano y elementos psicodélicos sobre una plataforma surf donde coexisten la electrónica y el carisma de un indie ramificado en subcapas de hedonismo idiosincrásico pero que en realidad convergen desde una pletórica divergente. Heroin In Tahiti parece la mejor opción para resumir el sonido y las referencias que permanecen en el núcleo de esta escena totalmente italiana.

Cod: #1010

Kolkhoze Printanium - Vol.1 Kolkhöznitsa (2008)

El quinteto francés Kolkhoze Printanium (tecladista y vocalista Paul Brousseau, percusionista Philippe Gleizes, bajista Jean-Philippe Morel, saxofonista Hugues Mayot, y guitarrista Maxime Delpierre ) se fundó en el año 2000 liderada por Paul Brousseau y solo lanzó un álbum, ‘’Kolkhoznitsa Vol 1’’, que publicaron recién en el 2008, no es para menos con el terrible despliegue que significa el trabajo y la enorme producción llevada a cabo en esta ambiciosa producción. En la obra participaron además  David Linx en voz, Ucoc Lay en voz , Matthieu Metzger en saxo.

El teclista Paul Brousseau compuso todo aquí y parece ser el líder de este quinteto, un conjunto perfectamente adaptado a su material; músicos de primer nivel que interpretan composiciones que son todo menos predecibles. Escuchamos fusión exploratorio que recuerda Weather Report, una pizca de drama de rock progresivo estilo Génesis, free jazz que suena sobre electrónica pulsante, una abrazadora complejidad fusión que ha tomado de los hitos del género.

Esta es una música progresiva que entre pasajes, influencias de jazz y elementos vanguardistas se las arregla para ser inmensamente verás en un aura de progresión total, experimentación sin límites y una búsqueda sonora propia de una banda desquiciada. Este disco es muy complejo y muy extenso, es una travesía por tierras de música progresiva portentosa y mal llevada que exige una escucha atenta ante tanta progresión y tanto cambio detallado de subcapas y elementos que se convergen a sí mismo en un solo caldo de rabia y progresión.

El disco es una enorme sorpresa ya desde el comienzo, empezando con algunas tramas entre fusiones hibridas entre jazz fusión y algunos vanguardismos rockeros, comenzando ya con una explosión que se desata y que genera un eco expansivo creativo y progresivo que se esparce por todo el disco y salpica de una fuerza brutal a todo lo presentado. Hay varios momentos de vanguardismo raso, eso momentos de desconcierto sonoro y experimentación con voces en francés y diálogos delirantes, pero es que acaso también toda la presentación es vanguardista porque el rock aquí presentado se sumerge en burbujas de un ensueño hibrido entre diversas visiones y experimentaciones.

Es un trabajo arduo y enormemente extenso que exige una escucha atenta ante tanto despliegue y experimentación, donde convergen el rock alternativo, el metal, el fusión, el cool jazz, el rock, las progresiones, y el vanguardismo, el resultado es una combinación explosiva, alocada, fuerza de lugar. La complejidad es tal que se los puede ubicar dentro del estilo del RIO o también se acercan a lo que es el progresivo vanguardista, con una fuerte presencia del jazz y sus diversas tramas plasmadas a través de las tantas texturas progresivas que se plantean continuamente.

Hay varias otras influencias citadas en convergen en la puesta final, algunas tramas repetitivas que hacen eco de un acercamiento al minimalismo, aunque no lo parezca, o la evidente influencia de la música clásica, la textura industrial, además de la inmediata analogía que se puede tender desde este estilo al similar coterráneo estilo del Zeuhl, con fabulas sonoras que representan escenas musicales pictográficas que recalcan fragmentos de la vida política y social de la época

Cod: #1009

Fire! Orchestra - Exit! (2013)

Fire! es el trío central que constituye este enorme proyecto, compuesto por el saxofonista y lider Mats Gustafsson, Johan Berthling en bajo y Andreas Werlin en batería. La banda se formó en 2009 para desarrollar un nuevo enfoque músical, improvisando y componiendo basándose en influencias del free jazz, el rock vanguardista, el rock psicodélico y el noise.

El grupo publicó varios álbumes bajo el nombre de Fire!, pero también extendieron su propuesta, transformándose eventualmente hacia el nombre de Fire! Orquestra, una mutación de la banda en la que tocarían el trio de músicos sumados a una gran cantidad de músicos proveniente de la escena escandinava del free jazz y el rock experimental. Este último proyecto se constituyó a fines de 2012 con la idea de dirigir las características esenciales del trío Fire! hacia un formato de proporciones orquestales que pudiera dar cabida a las exuberantes ideas musicales pergeñadas por Gustafsson.

La sobresaliente discografía de Fire! Orchestra incluye a su álbum debut Exit! de 2013, una obra ambiciosa y de proposiciones enormes que comprende una autentica orquesta de músico con orientación vanguardista, todos funcionando bajo un sonido de una especie de rock pesado fusionado al free jazz, con muy buenas bases sobre la que desfilan gran cantidad de instrumentos de viento, una autentica orquesta de jazz rock.

El álbum solo está compuesto por dos temas, dos enormes piezas de entre veinte y veinticinco minutos cada una, en las que hacen uso de la extensión para recrear un sonido que utiliza la amplitud y la espacialidad como bases desde donde explorar los ambientes que tienen en mente. Un sonido innovador, de vanguardia, con un aire de frescura, y mucho estilo, con bases pegadizas y exploraciones sonoras experimentales que van mutando segundo el ánimo y la espontaneidad de la orquesta. Utilizan el lenguaje del free jazz para moverse por el espacio, cuando no hay una base concreta sobre la que moverse.

La inclasificable convergencia de música libremente improvisada queda plasmada rápidamente cuando voces, saxos de free jazz y bases pegadizas comienzan a funcionar al unísono, ahí es cuando la maquinaria cobra vida y no sabe hacia dónde se dirigen, con un carácter de ritual, psicodélico y hasta convergencias con el noise. Muchos remembranzas vienen a la mente con estos sonidos, se asemeja al Escalator Over the Hill de 1971, por Carla Bley &The Jazz Composers’ Orchestra, o también recuerdan bastante a la orquesta de jazz rock Centipede creada y liderada por Keith Tippet.

La orquesta completa está integrada por Mariam Wallentin en voz, Sofia Jernberg en voz, Anna Lindal en violin, Leo Svensson en chello, Josefin Runsteen en violin, Katt Hernandez en violin, Per Texas Johansson en contrabajo y clarinete, Christer Bothén en contrabajo y clarinete, Isak Hedtjärn en clarinete, Alexander Zethson en piano, Susana Santos Silva en trompeta, Mats Gustafsson en saxo barítono, Johan Berthling en bajo, y Andreas Werliin en batería.

Cod: #1005

Godspeed You! Black Emperor - F♯ A♯ ∞ (1997)

‘’Godspeed You! Black Emperor’’ es una banda canadiense de post-rock, originaria de Montreal. Toma su nombre de ‘’God Speed You! Black Emperor’’ (Goddo supiido yuu! Burakku emparaa), un documental japonés en blanco y negro de 1976, dirigido por Mitsuo Yanamigachi, que trata de las fechorías de una banda de moteros japoneses, los Emperadores Negros.

El grupo suele ser clasificado dentro de la corriente del post-rock, aunque posee influencias que van desde el rock progresivo al punk, pasando por la música clásica, krautrock y el avant-garde. Ellos pintan texturas sónicas similares a lo que hace Tangerine Dream, aunque se diferencian porque aplican en su sonido violonchelos, violines y algún otro instrumento, que los vuelve mas orgánicos.

En diciembre de 1994 lanzan su primer trabajo, no oficialmente, sino que se trata de un casette elaborado por ellos mismo, del cual solo lanzaron 33 copias, el cual contiene los orígenes mismos del grupo, allá cuando la banda estaba integrada solo por tres miembros.

La formación ha sufrido de constantes cambios y alteraciones, a medidas de los 90s la banda alcanzo un máximo de 14 integrantes, y no fue hasta 1998 cuando el grupo se instaló en una formación permanente de nueve miembros, con Aidan Girt y Bruce Cawdron en la batería, Thierry Amar y Mauro Pezzente en bajos, Efrim Menuck, David Bryant y Roger-Tellier Craig en las guitarras, y Norsola Johnson y Sophie Trudeau en cello y violín respectivamente.

En 1997 lanzan su primer álbum oficial, llamado ‘’F♯ A♯ ∞’’, un trabajo tan sombrío y fantasmal, como complejo y particular, reflejan varias influencias orquestales, en los instrumentos que utilizan y las estructuras de los temas que componen, los cuales generalmente suelen consistir en canciones de larga duración, bastante complejas y separadas por ‘movimientos’, a menudo especificados en la cubierta de cada disco.

Construyen un post rock oscuro, con melodías épicas, que combina un sentido de minimalismo o repetitividad, talvez heredado del krautrock, con un sentido muy interesante de la complejidad y el desarrollo delas estructuras e intensidades, ya que van sobreponiendo los pasajes, desplegando auténticas sesiones sinfónicas, sutilmente progresivas, muy extensas y complejas.

En las sesiones manejan la intensidad de una manera formidable, pasando por lugares mas calmos, otros mas intensos y fuertes, otros mas experimentales y duros, y también dan lugar a la aparición de grabaciones de voces, experimentación sonora, ambientes oscuros y electrónicos, etc., es ahí cuando se vuelven experimentales por excelencia, alcanzando costados avant garde muy interesantes.

La banda estuvo de gira y grabó incesantemente desde 1998 hasta 2002, y ganó una reputación por sus alucinantes shows en vivo. Después de lanzar 4 discos, anunciaron una pausa ya que lo miembros del grupo se encontraban ocupados en diferentes proyectos respectivamente. El parate se prolongó hasta 2010, año en que la banda se volvió a armar, periodo en el que hicieron nuevas giras y lanzaron dos álbumes mas.

Cod: #1004

Krishna Chakravarty - Circular Dance (1998)

Krishna Chakravarty es una reconocida sitarista Hindú, estudió el sitar desde muy chica, con el profesor Ram Chakravarty y más tarde estudiaría con el mismísimo Ravi Shankar.

Es licenciada y doctora en Música de la Universidad Hindú de Benarés, una Maestría en Música (medalla de oro) de Prayag Sangit Samiti, Allahabad y una maestría en World Music de la Universidad de Wesleyan, en Connecticut, Estados Unidos. Actualmente es profesora asociada de sitar en la Facultad de Artes Escénicas de la Universidad Hindú de Benarés. Como artista visitante ha impartido clases de música clásica del norte de India para graduarse y los estudiantes de pregrado en la Universidad de Wesleyan, así como seminarios y clases prácticas realizadas en la Universidad de Pennsylvania en los Estados Unidos. 

Ha impartido numerosas actuaciones en la India, Australia, Holanda, Austria, Alemania, Suiza, Estados Unidos, Canadá, Sri Lanka, Nepal, Brasil y Argentina. En 1987 lanza su primer álbum, ‘’Ananda’’, de música clásica hindú con ella como líder. En 1996 participa de un disco compilatorio llamado ‘’Asia Music’’, el cual recopila gran cantidad de músicos en lo que seria un trabajo de música típica asiática. 

Su segundo disco en solitaria seria el que les acerco en esta oportunidad, ‘’Circular Dance’’, lanzado en los EE.UU., por Celestial Harmonies Records, el primero de Enero de 1998.
Circular Dance es otro documento sonoro exquisito de la música clásica de la India, al estilo de ‘’Call Of The Valley’’, pero más moderno. En este trabajo, Krishna Chakravarty, expone su talento y sensibilidad al servicio de tres piezas clásicas dentro de lo que sería la música India.

Cuando hablamos de ‘’música de la India’’ enseguida lo relacionamos con los ‘’ragas’’ y al instrumento de cuerdas más conocido de esta música, el ‘’Sitar’’, pero la música, para la cultura oriental, tiene un valor mucho mas profundo y significativo. El raga, por ejemplo, es esencialmente una escala con una ascendente fijo y descendente de notas. Dentro de este marco se contienen enfoques específicos para ciertas notas y las expresiones musicales o frases que diferencian a un raga de otro. 

Puede parecer una forma de música libre, pero no lo es, cada raga está sujeto a disciplinas muy estrictas, y lo más impresionante de este tipo de música antigua es que no se compone, sino más bien es algo que cada músico descubre interiormente. Y tampoco se puede escribir, no se puede reproducir en una partitura musical, de hecho nunca ha habido ningún sistema de notación desarrollado que pueda describir todos los sutiles matices que caracterizan a este sistema de música.

Las tres composiciones que Krishna Chakravarty despliega son finas y muy personales, con un estilo más moderno pero siempre dentro de parámetros ancestrales, demostrando su alucinante dominio melódico, y su poder crudo que expresa en los momentos culminantes de cada raga.

Las piezas son extremadamente largas y a la vez complejas, (dos de 25 min. cada una y otra de 15 min.) ya que transcurren por varios estados de ánimo. Por momentos, y como característica que compete al sonido general, siguen un patrón básico, de tranquilidad y dulzura, que nace ya desde una complexión melódica potenciada y muy particular, como si se tratase de trazos de cielo plasmados musicalmente, los cuales funcionan a la vez como medio, base y guía, para que las melodías del sitar jueguen, se ahoguen y se entremezclen en una danza perfecta. 

Pero a medida que avanza el raga, van alcanzando mayor intensidad y ahí es cuando el despliegue del sitar se vuelve un vuelo alucinante, con un color melódico muy hermoso, ejecutado con una velocidad y precisión impresionantes. El virtuosismo de la sitarista es notable, acompaña ascendentemente a la intensidad de cada pasaje, incrementando su complejidad de ejecución. Como por ejemplo en el segundo raga, ‘’Raga Lalit’’, en el cual aparece una ‘’tabla’’ (instrumento de percusión Hindú) acompañando al sitar, lo que le da un nivel de vertiginosidad cada vez mayor al sonido, en un raga el cual deliberadamente avanzan progresivamente en velocidad e intensidad.

Krishna Chakravarty también juega un rol importante al imponerse a ella misma como maestra del sitar, siendo de sexo femenino, ya que son muy raros los casos de instrumentistas femeninas destacadas, en la tradición de la música clásica del norte de India.

También participó en el compilado ‘’Dancing to the Flute’’, con música de la India. Esa trabajo fue encargado por la Galería de Arte de New South Wales, en Sydney, Australia, para una exposición en 1997, que conmemoraba el 50 aniversario de la independencia de la India.

Cod: #1003

Morgan Delt - Morgan Delt (2014)

Morgan Delt, es un auténtico visionario psicodélico, un músico totalmente autodidacta, aunque también cuasi anónimo y desconocido en la escena psicodélica, ya que su primer disco vio la luz este año (2014) y aun no hay mucha información sobre él en la web. Morgan Delt es un nombre artístico, tomado del protagonista de una oscura película de 1966.

En una entrevista que encontré por ahí, él cuenta que su profesión es la de diseñador gráfico. Como músico ha grabado y experimentado con material propio, en su casa, piezas instrumentales, música electrónica, pero según él no era algo considerable como para ser publicado. Ha participado en bandas con amigos, de forma esporádica, pero nada muy serio realmente. Él dice que: ‘’me gusta trabajar solo, me gusta quedarme en mi estudio todo el tiempo y no salir mucho. Soy una especie de ermitaño.’’.

En el 2012 lanza su primer EP, en formato casette, ‘’Psychic Death Hole’’, un trabajo de 6 canciones impulsado y grabado por el mismo, en su propia casa, el cual sería un prefacio de su primer disco. En el 2013 lanza un single, ‘’Barbarian Kings’’. Finalmente en el 2014 lanza su primer disco, que consta de 11 temas, entre los que se encuentran los lanzados anteriormente en sus EPs más otros inéditos hasta ese momento.

Su música hace mucha referencia a influencias a la cultura de los 60s, tanto bandas psicodélicas de culto, como películas oscuras y bizarras: ‘’…estoy inspirado en una gran cantidad de películas. David Cronenberg, viejas películas de AIP, Kenneth Anger, Ken Russell, y cosas por el estilo.’’

’’Lo que estoy escuchando en todo momento, no refleja realmente en mi música. Muchas de las influencias que las personas dicen que escuchan es algo que escuché hace años. No estoy seguro de lo que estaba escuchando mientras se trabaja en el disco.

Musicalmente me influencian muchas bandas, Curt Boettcher, Burt Bacharach, the Wrecking Crew, Faust, Sun Ra, Brigitte Fontaine, The Move, The Ventures, I don't know, I could go on and on. Funkadelic, Todd Rundgren, Franco Battiato, Jean Claude Vannier, Boredoms, Stereolab.’’

Su disco es un auténtico resumidero de todo tipo de influencias, compactadas y moldeadas de una forma muy particular y especial, creado por él en su casa. Un sonido particular que ronda dentro de pop acido, tendiendo hacia una especia de psicodelia acida y rasposa sesentera, recuerda bastante a ‘’Red Krayola’’, mezclado con artilugios y todo tipo de efectos más modernos, sumidos y mezclado además en una atmosfera un poco fatalista y bizarra. 

Los ritmos y pasajes son atípicos, las estructuras de los temas son muy particulares y rondan en torno a una psicodelia que se va mutando a sí misma y se va abriendo paso en su propia salsa acida. Innumerables arreglos instrumentales de todo tipo ayudan a este concepto de mutación constante, sumado a hipnóticos arreglos vocales y muchos efectos de sonido agregados al montón, el cual jamás baja su intensidad.

Cod: #1001